Dimanche 11 mai 2008
Ce Mardi 13 mai à 18h30 au Théâtre ElHamra
UN CHIEN ANDALOU de Luis BUNUEL & Salvador DALI
15mn – Espagne – 1929
NOSFERATU, LE VAMPIRE de Friedrich MURNAU
1h15 – Allemagne – 1922
Lundi 5 mai 2008
Ces films seront projetés ce Mardi 6 mai 2008 à 18h30 à El
Hamra
Sélection de courts métrages des frères LUMIERE
10mn – France – 1895 / 1900
Sélection de courts métrages de George MELIES
15mn – France – 1905 /1910
La Passion de Jeanne d'Arc de Carl Theodor Dreyer
1h20 – France – 1928
La dernière version accessible de la Passion de Jeanne d’Arc provient d’une reconstitution de 1985; après sa sortie, le négatif original avait été détruit par le feu. Car cette œuvre ne fait qu'un avec son propos : la passion de Jeanne y revit dans sa chair et dans son âme. La transcendance est devenue palpable (espace intérieur traversé, en une courbe ascendante), ainsi que le chemin de martyre (espace temporel parcouru, vécu) qui est celui de la Sainte.
« La passion de Jeanne d’Arc est une affirmation, presque une démonstration, des conceptions de Dreyer. Affirmation d’autant plus éclatante qu’elle n’est pas
préméditée. Dreyer n’a pas imposé à son œuvre une esthétique toute faite. C’est en réfléchissant sur le sujet que, par tâtonnements, approximations, intuitions, il a découvert son esthétique.
Dreyer est peut-être, avec Eisenstein, le seul cinéaste dont l’œuvre égale la dignité, la noblesse, la puissante élégance des chefs d’œuvre de la peinture, non seulement parce qu’elle s’en
inspire, mais plus essentiellement parce qu’elle en retrouve le secret à des profondeurs esthétiques comparables. »
André Bazin, Radio Cinéma
Deux mots sur la censure
Dès sa deuxième réalisation, Pages arrachées du Livre de Satan (1919), Dreyer doit faire face à la censure, au Danemark même, l’un des pays réputés les plus libres du monde. Le film est une vaste fresque historique qui conduit le spectateur de la Palestine au temps de Jésus à la Finlande contemporaine, en passant par l’Inquisition en Espagne et la Révolution française. Les pasteurs luthériens radicaux, sans même avoir vu le film, jugent l’œuvre de Dreyer blasphématoire : représenter Jésus au cinéma est un acte, en soi, impie. Le quotidien luthérien Kristeligt Dagblad, publie un article titré « Inadmissible », article non signé, où l’on peut lire : « C’est révoltant qu’il se trouve des gens qui ont accepté de jouer ces rôles et doublement révoltant qu’une fois encore on soit obligé de constater que le Danemark est un pays où on peut faire ce qu’on veut, même blasphémer sur ce qu’il y a de plus sacré ». La hantise du « christianisme fanatique » (la formule est du cinéaste lui-même) chez le croyant fervent qu’était Dreyer, déjà très vive dans sa jeunesse, ira s’accentuant tout au long de sa vie. On retrouve, à l’évidence, cette détestation de l’obscurantisme religieux dans La Passion de Jeanne d’Arc. En France, la Commission officielle de censure contraint le producteur, sous la pression du clergé parisien, à couper certaines scènes où les hommes d’Église semblent trop nettement récusés et celles où Jeanne est torturée. Quant à la censure anglaise, elle exigea tant de coupes (en fait tous les plans où apparaissent les Anglais) que Dreyer renonça à faire diffuser son film au Royaume-Uni.
www.cinelycee.com
www.euroschool.lu
Mercredi 23 avril 2008
" Tendresse du loup, deuxième long métrage de Jilani Saadi, est une tragi-comédie qui applique la règle classique des trois unités (de temps, d'action et de lieu) à un sordide fait divers survenant dans la capitale tunisienne, et qui brosse ce faisant un tableau particulièrement critique de la stagnation de la société tunisienne.
...
La frustration des individus et la violence des rapports sociaux qui en résulte, l'impasse sociale et la bêtise phallocratique, la souffrance générale qui finit enfin par faire s'entre-dévorer les victimes de ce système. Des acteurs très attachants, des moments de grâce dans la mise en scène, ainsi qu'une réelle intelligence du récit font le reste. "
(Lire l'intégralité de la critique sur Le Monde, ICI )
" Saâdi sait filmer des corps livrés à eux-mêmes, à des gestes rageurs et intempestifs qu’ils accomplissent pour conjurer la salissure qui leur a été infligée. C’est dans ce registre notamment qu’il confirme qu’il est l’un des réalisateurs les plus importants de la génération actuelle du cinéma tunisien. Le conventionnel champ contrechamp est, alors, abandonné, la réalité extérieure mise à distance, la musique d’accompagnement différée et la parole suspendue. Il ne subsiste que des regards et des gestes qui sont ainsi rétablis dans leur matérialité la plus saisissante. "
(Lire l'analyse de Hédi Khélil sur Jilani Saâdi, sur La Presse : 1ère partie ICI - 2ème ICI )
" لو لم تتمثّل السينما التونسيّة في الدورة الثلاثين من مهرجان القاهرة الدولي، إلا بشريط واحد هو «عرس
الذيب»، فإن ذلك كان ليكفي. الفيلم يحمل توقيع سينمائي شاب هو جيلاني السعدي الذي سبق له أن لفت الأنظار في فيلمه الروائي الطويل الأوّل «خرمة» (2002). ويمكن اعتباره اليوم رمزاً لجيل سينمائي جديد في
تونس، يكمل على طريقته مغامرة نوري بوزيد وفريد بوغدير ومفيدة التلاتلي وآخرين... بعد أن تحرّر من بعض الكليشيهات الجماليّة والسياسية التي أثقلت أفلامهم.
«عرس الذيب» نزول إلى جحيم الواقع، من دون أي بهرجة. لقطة مقربة طويلة على المجتمع التونسي، بِراهنه الفج والعنيف والمؤذي، بعيداً عن عبق الحنين ومشاغل التاريخ
والذاكرة والمدينة القديمة والحمّام والقصور والعناصر التراثية والمواقف النسوية
"
"
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Mercredi 23 avril 2008
" Les Chevaux de feu est le film qui révéla au monde Serguei Paradjanov. L’histoire de Marika et Ivan, sorte de Roméo et Juliette des
Carpathes. Amour impossible sur fond de haine extra-familiale. Paradjanov filme la malédiction des hommes. Une vision pessimiste qui lui valut bien des démêlés avec les politiques au pouvoir.
Imprégné des légendes ukrainiennes, c’est la rencontre improbable de l’ethnologie et de la poésie. C’est surtout un lyrisme débridé, un film qui cherche à chaque nouvelle projection à se
libérer du carcan de la narration, comme un papillon en train de s’extirper de sa chrysalide. "
(Résumé de la Cinémathèque de Toulouse.)
" Paradjanov s'intéresse peu à l'intrigue et à la dramaturgie. Pour répondre à son ambition, un film doit être comme un objet artisanal, aux facettes multiples reflétant, le folklore, les coutumes, les rites quotidiens, l'inconscient et le conscient d'un peuple : ici les Goutzouls des Carpates. Souvent, la caméra court dans tous les sens comme si le temps pressait et aller manquer pour mener à bien cette quête à la fois poétique et ethnologique. La fantasmagorie ciselée en esthète par Paradjanov est d'une beauté étrange et précieuse, due en partie à son authenticité plastique aussi bien que musicale.
(Résumé de la Cinémathèque de Toulouse.)
" Paradjanov s'intéresse peu à l'intrigue et à la dramaturgie. Pour répondre à son ambition, un film doit être comme un objet artisanal, aux facettes multiples reflétant, le folklore, les coutumes, les rites quotidiens, l'inconscient et le conscient d'un peuple : ici les Goutzouls des Carpates. Souvent, la caméra court dans tous les sens comme si le temps pressait et aller manquer pour mener à bien cette quête à la fois poétique et ethnologique. La fantasmagorie ciselée en esthète par Paradjanov est d'une beauté étrange et précieuse, due en partie à son authenticité plastique aussi bien que musicale.
Paradjanov approfondira ses recherches formelles dans "Sayat Nova", (1969), un film-objet libéré de tout lien avec la dramaturgie classique et avec quelque forme de dramaturgie que ce soit. Son indépendance d'esprit et son extrême esthétisme ont valu à l'auteur de continuelles persécutions. "
Jacques Lourcelles : Dictionnaire du Cinéma
" Les chevaux de feu, de Sergueï Paradjanov, est lui en revanche un chef-d'oeuvre absolu que la perfection éblouissante rend
irréprochable. Il suffit de le voir une seule fois pour que l'on soit marqué à vie. La fièvre et la folie créatrice qui émane de cette version très personnelle de Romeo et Juliette sont
prodigieuses. Il s'agit de l'adaptation de la nouvelle Les ombres des ancêtres oubliés, de l'écrivain ukranien Mikhail Kotzubinsky. De manière aucunement littérale, comprendre
abstraite, instinctive et délirante, Paradjanov se focalise sur l'amour contrariée de deux jeunes amants séparés par la haine que se vouent leur famille. La narration est fragmentée par des
chapitres (Ivan et Marichka ; les Alpages ; Solitude ; Ivan et Palagna ; Les masques de Noël ; C'est demain le printemps ; Le sorcier ; Envoûtement et mort d'Ivan ; Picta). Ce songe
poétique témoigne d'une maîtrise formelle éblouissante pour son époque. Il génère un éblouissement (les dix dernières minutes sont inoubliables) qui ne lâche plus le spectateur. Outre les
récompenses, la réussite fut si violente que ce fut paradoxalement le début des ennuis pour le cinéaste, nés de ses prises de position en faveur des intellectuels dissidents. La suite n'en sera
que plus douloureuse : après Sayat Nova, le cinéaste doit faire face à des accusions incongrues (homosexualité et incitation au suicide) et souffre le martyre dans des camps de travaux.
Jusqu'à sa mort en 1990, il s'est toujours considéré comme un artiste maudit et dérangeant. C'est le combat de l'expression personnelle contre le délétère conformisme qui fait que ces films
possèdent cette force inouïe et vitale. "
(Lire l'intégralité de la chronique sur DVDRama, ICI )
Mercredi 23 avril 2008
CE FILM SERA PROJETE LE MARDI 29 AVRIL A 18H30
DERNIERE PROJECTION DEBAT DU CYCLE
CINEMA ABSTRAIT : PARADOXES & PLASTICITES
DERNIERE PROJECTION DEBAT DU CYCLE
CINEMA ABSTRAIT : PARADOXES & PLASTICITES
Ciné-poème 84
Five (Plan 1)
de Abbas Kiarostami
Le lai gris de la mer - à cheval sur le bord extérieur de sa bande humide, un bout de bois flotté. Epave que le ressac finit par reprendre.
Pourri, ce bois, à se fendre. En deux morceaux. L’un dérivant loin de l’autre. Jusqu’à disparaître. Pour quelques vagues plus tard reparaître. Il roule et tangue à distance, dans l’attente, comme
le reste, du prochain changement, du tour nouveau que prendra le perpétuel façonnage.
La mer, de vagues changeantes indéfiniment modelée, est un élément plastique - mais qui adhère au rivage, aussi bien qu’à ses fonds, son ciel,
ses algues, poissons et barques, comme par une matière visqueuse. Plasticité et viscosité qui sont des qualités sous lesquelles se manifeste l’informe. Que l’artifice du cadre fixe, tant qu’il
dure, change en une forme ; entre autres, celles, heureuses, de la nature morte ou de l’agitation du bocal.
Ciné-poème 83
Five (Plan 5)
de Abbas Kiarostami
Lune dans l’eau. - La lune s’est jetée dans l’eau glacé ou bien, surgie de l’obscurité noire, affleure-t-elle ? Pleine, elle se mire ou
fleurit ? Insomniaque (la nuit pour le jour) ou somnambule (le jour pour la nuit) ? Faite de larmes ou de la première goutte de l’orage qui gronde ? Prélude à tout autre lumière,
trou du cul sur la terre comme au ciel ou trace visuelle du cri des bêtes alentour ? Ou voile de la barque de Nosferatu sur la mer anuitée, avec ses cercueils et ses rats ?
Lune dans l’eau. - Il y a l’entêtement de la nature à tenir les choses emboîtées les unes dans les autres, non seulement rassemblées, et à
ouvrir ce puzzle à tous les sens possibles. Une interprétation infinie. Et il y la peu naturelle géométrie du cadre fixe qui en peaufine l’architecture, en parfait l’emboîtement, en polit la
signification. Autrement dit, y met un point final. Et glisse sur son orbite la lune d’eau dans le cadre aimable pour sa clôture.
Ciné-poème 82
Five (Plan 3)
de Abbas Kiarostami
Un cadre fixe - où bat la mer. Perpétuelle, silencieusement préhumaine, toute mémoire éteinte en des vagues inchangées, leur course n’allant
parfois au-delà d’une laisse grise que pour quelque raz-de-marée dont l’exception ruineuse confirme la retenue de la règle.
L’abstrait trait de pinceau de la mer, abstraction sans évasion, entrecoupé de trois quatre grumeaux d’encre noire, comme une métaphysique
maladresse, bavures où peu à peu se devine une bande de chiens errants qui dort sur le sable, crépuscule du matin.
L’une des bêtes se redresse, tourne en rond, puis se déplace lentement de droite à gauche, quelques mètres à peine, et se recouche pour un égal
sommeil ; et chacune, l’une après l’autre, fait de même, qui recompose le petit tumulus charbonneux, crépuscule du soir.
(Lire l'intégralité des CINE-POEME de Jacques Sicard, sur le site des Cahiers du Cinéma, ICI )
Mercredi 23 avril 2008
LA PAROLE AU MUET aura vocation à être au cours des saisons suivantes un rendez-vous récurrents de CINEFILS.
Pour cette première année, NAISSANCE & ENFANCE D’UN ART est un panorama général et non exhaustif de ce qui s’est fait de plus marquant durant les 30 premières années du cinéma. La sélection se veut éclectique comme d’habitude : entre chefs-d’œuvres incontestables et films moins célèbres, en passant par des expériences pionnières.
Les années suivantes, nous essaierons de creuser plus profondément cette période à travers des rétrospectives importantes de grandes figures du muet ou des cycles sur les courants les plus importants de cette époque.
Mardi 06 mai à 18h30
Sélection de courts métrages des frères LUMIERE
10mn – France – 1895 / 1900
Sélection de courts métrages de George MELIES
15mn – France – 1905 /1910
LA PASSION DE JEANNE D’ARC de Carl Théodore DREYER
1h20 – France – 1928
Mardi 13 mai à 18h30
UN CHIEN ANDALOU de Luis BUNUEL & Salvador DALI
15mn – Espagne – 1929
NOSFERATU, LE VAMPIRE de Friedrich MURNAU
1h15 – Allemagne – 1922
Mardi 20 mai à 18h30
Sélection de courts métrages de Charles CHAPLIN
35mn – Etats-Unis – 1915 / 1925
LE MECANO DE LA GENERAL de Buster KEATON
1h35 – Etats-Unis – 1926
Mardi 27 mai à 18h30
LE PRE DE BEJINE de Sergei EISENSTEIN
Montage de photogrammes d’un film perdu – 30mn
QUE VIVA MEXICO de Sergei EISENSTEIN
Inachevé – 1h25 – Etats-Unis
Vendredi 18 avril 2008
CE FILM SERA PROJETE LE MARDI 22 AVRIL A 18H30
DANS LE CADRE DU CYCLE :
CINEMA ABSTRAIT / PARADOXES ET PLASTICITES
DANS LE CADRE DU CYCLE :
CINEMA ABSTRAIT / PARADOXES ET PLASTICITES
" Une voiture roule lentement accompagnée du piano mélancolique d’Arvo Pärt. Un soleil omniprésent qui berce l’image d’un halo de lumière. Ainsi
débute Gerry, la nouvelle merveille signée Gus Van Sant, une heure et demie d’une expérience contemplative unique. Né d’un voyage en Argentine avec deux acteurs, Matt Damon et Casey
Affleck également co-scénaristes du film, Gerry prend la pensée actuellement en cours à Hollywood à contre-courant. Ici, pas de narration implacable, pas de psychologie appuyée, peu de
dialogues: tout s'établit par le visuel, les sensations, les non-dits, les silences... Deux hommes et le désert suffisent pour raconter l’humanité. Gus Van Sant étire de sublimes plan-séquences
jusqu’à l’hypnose, jouant divinement sur la dilatation du temps pour nous faire ressentir les doutes des deux personnages, perdus dans une nature immense et magnifique. L’amitié cède peu à peu au
malaise, la balade vire au cauchemar. "
(Lire la suite de l'article sur Film culte, ICI )
" Même métamorphosé en cinéaste ultraformaliste, Gus Van Sant reste un Américain pétri de croyance dans les pouvoirs de la fiction. Il reste aussi celui qu'il fut au temps de My own private Idaho : un auteur épris de ses personnages, attentif à les acheminer vers un destin. D'où un film généreusement hybride, d'abord drôle et absurde, puis tout à la fois abstrait, sensoriel et épique. Plus Gerry et Gerry se fourvoient de canyons en dunes, plus la dimension physique de leur dérive est palpable, dessèchement, brûlures, suffocation, jusqu'à la naissance des mirages, la perte de soi. Le travail expérimental du cinéaste prend alors tout son sens : Gerry est une machine à produire des états seconds. L'étirement hypnotique des séquences, le jeu des travellings avec la cadence des pas conjoints de Matt Damon et Casey Affleck, les musiques planantes d'Arvo Pärt, la danse accélérée des nuages, tout concourt à instaurer un régime de réalité limite, à la frontière de l'hallucination et de la transe. « L'épouvante est le propre de l'impression que produit la beauté », écrivait le poète Leopardi. Il en va ainsi des espaces traversés, Vallée de la Mort, déserts de sable ou de sel blanc : leur majesté aride à perte de vue n'a d'autre effet que de renvoyer les deux marcheurs exsangues à l'hypothèse de leur solitude absolue et de leur disparition. Du coup, c'est une autre frontière qui menace de s'effacer : celle qui sépare la civilisation de la barbarie. On n'en dira pas plus, mais pour peu qu'on aime interpréter l'inexpliqué, Gerry est un film de rêve, ouvert à toutes les spéculations romanesques, existentielles, allégoriques. Ce qui n'interdit pas de l'aborder avec, au contraire, l'imagination à marée basse, en prenant à la lettre le régime sec infligé aux deux protagonistes : se délester de tout pour se laisser éblouir davantage, et encore mieux se perdre. "
(Lire l'intégralité de la crtitique sur Télérama, ICI )
(Lire la suite de l'article sur Film culte, ICI )
" Même métamorphosé en cinéaste ultraformaliste, Gus Van Sant reste un Américain pétri de croyance dans les pouvoirs de la fiction. Il reste aussi celui qu'il fut au temps de My own private Idaho : un auteur épris de ses personnages, attentif à les acheminer vers un destin. D'où un film généreusement hybride, d'abord drôle et absurde, puis tout à la fois abstrait, sensoriel et épique. Plus Gerry et Gerry se fourvoient de canyons en dunes, plus la dimension physique de leur dérive est palpable, dessèchement, brûlures, suffocation, jusqu'à la naissance des mirages, la perte de soi. Le travail expérimental du cinéaste prend alors tout son sens : Gerry est une machine à produire des états seconds. L'étirement hypnotique des séquences, le jeu des travellings avec la cadence des pas conjoints de Matt Damon et Casey Affleck, les musiques planantes d'Arvo Pärt, la danse accélérée des nuages, tout concourt à instaurer un régime de réalité limite, à la frontière de l'hallucination et de la transe. « L'épouvante est le propre de l'impression que produit la beauté », écrivait le poète Leopardi. Il en va ainsi des espaces traversés, Vallée de la Mort, déserts de sable ou de sel blanc : leur majesté aride à perte de vue n'a d'autre effet que de renvoyer les deux marcheurs exsangues à l'hypothèse de leur solitude absolue et de leur disparition. Du coup, c'est une autre frontière qui menace de s'effacer : celle qui sépare la civilisation de la barbarie. On n'en dira pas plus, mais pour peu qu'on aime interpréter l'inexpliqué, Gerry est un film de rêve, ouvert à toutes les spéculations romanesques, existentielles, allégoriques. Ce qui n'interdit pas de l'aborder avec, au contraire, l'imagination à marée basse, en prenant à la lettre le régime sec infligé aux deux protagonistes : se délester de tout pour se laisser éblouir davantage, et encore mieux se perdre. "
(Lire l'intégralité de la crtitique sur Télérama, ICI )
Projection suivie d'un débat.
Prix : 1d500.
Prochaine projection débat du mardi 29 : FIVE de Abbas KIAROSTAMI
Cycle mai : LA PAROLE AU MUET : NAISSANCE D'UN ART
Prix : 1d500.
Prochaine projection débat du mardi 29 : FIVE de Abbas KIAROSTAMI
Cycle mai : LA PAROLE AU MUET : NAISSANCE D'UN ART
Vendredi 18 avril 2008
Comme déjà annoncé ( ICI ) Jilani SAADI sera parmi nous à CINEFILS El HAMRA, le samedi 26 avril, pour une aprés-midi de projections et de débats.
En plus d'avoir choisit de donner à voir un film qui lui tient à coeur : LES CHEVAUX DE FEU de Serguei PARADJANOV, et son deuxième et dernier long-métrage : LA TENDRESSE DU LOUP, il nous propose une curiosité très rare, un court métrage de sa réalisation : CAFE-HOTEL DE L'AVENIR. Film presque inconnu que nous aurons tous l'occasion de découvrir...
En plus d'avoir choisit de donner à voir un film qui lui tient à coeur : LES CHEVAUX DE FEU de Serguei PARADJANOV, et son deuxième et dernier long-métrage : LA TENDRESSE DU LOUP, il nous propose une curiosité très rare, un court métrage de sa réalisation : CAFE-HOTEL DE L'AVENIR. Film presque inconnu que nous aurons tous l'occasion de découvrir...
La programmation de la soirée est comme suit :
Samedi 26 avril
16h
LES CHEVAUX DE FEU de Serguei PARADJANOV
1h30. U.R.S.S. 1965.
17h30
Discution avec Jilani SAADI autour de ce film et du cinéma qu'il aime.
18h15
Pause.
18h30
CAFE-HOTEL DE L'AVENIR de Jilani SAADI
30mn. Tunisie. 1997.
19h
TENDRESSE DU LOUP de Jilani SAADI
1h30. Tunisie. 2004.
20h30
Débat avec Jilani SAADI autour de ses films et de son cinéma.
22h
Fin de la soirée.
16h
LES CHEVAUX DE FEU de Serguei PARADJANOV
1h30. U.R.S.S. 1965.
17h30
Discution avec Jilani SAADI autour de ce film et du cinéma qu'il aime.
18h15
Pause.
18h30
CAFE-HOTEL DE L'AVENIR de Jilani SAADI
30mn. Tunisie. 1997.
19h
TENDRESSE DU LOUP de Jilani SAADI
1h30. Tunisie. 2004.
20h30
Débat avec Jilani SAADI autour de ses films et de son cinéma.
22h
Fin de la soirée.
Prix : 2d500.
El Hamra : 27. Rue El Jazira. Tunis.
El Hamra : 27. Rue El Jazira. Tunis.
Jeudi 10 avril 2008
GRAND PRIX DU JURY AU FESTIVAL DE CANNES 1960
CE FILM SERA PROJETE LE MARDI 15 AVRIL
A 18H30
DANS LE CADRE DE NOTRE CYCLE :
CINEMA ABSTRAIT - PARADOXES ET PLASTICITES
PROJECTION SUIVIE D'UN DEBAT
« Il y a dans le monde une fracture très grave entre la science, d’un côté, toute projetée
vers l’avenir, et prête à renier chaque jour ce qu’elle était la veille, si cela lui permet de conquérir même une fraction de cet avenir, et de l’autre côté, une morale, raidie, figée, et qui
toutefois, elle, continue à tenir debout. Dans l’avventura, la catastrophe est une impulsion érotique bon marché, inutile, malheureuse. Car le héros -quel mot ridicule !- de mon film se rend
parfaitement compte de la nature grossière de l’impulsion érotique qui s’empare de lui, de son inutilité. Mais ça ne suffit pas. Voilà un autre mythe qui tombe, cette illusion qu’il suffit de
se connaître, de s’analyser minutieusement dans les plis les plus cachés de l’âme. Non, cela ne suffit pas. Chaque jour on vit l’avventura, que ce soit une aventure sentimentale, morale,
idéologique. »
(Antonioni, à propos de L'Avventura, sur le site d'arte.)
(Antonioni, à propos de L'Avventura, sur le site d'arte.)
" Telle une nouvelle bataille d’Hernani, la présentation houleuse de L’Avventura au festival de Cannes, cuvée 1960,
contribua à scinder le monde cinéphile en deux camps : celui des tenants du classicisme et celui des trublions de la modernité. Le sixième long métrage de Michelangelo Antonioni, suscita en
effet autant de louanges béâtes que de rejets épidermiques. Conspué avec véhémence pendant la projection, puis récupéré par des critiques et des cinéastes bien décidés à faire valoir ses
qualités révolutionnaires, L’Avventura cristallisa les débats sur le devenir d’un art qui avait fait de la narration son enjeu principal.
Mais de quoi est-il question dans cet apparent portrait de la jeunesse bourgeoise italienne ?
... Le cinéma moderne, tel que le pratique Antonioni et une poignée de ses contemporains, (citons pèle mêle, Resnais, Godard, Pasolini, le jeune Bertolucci, Glauber Rocha, etc.) s’attache à démontrer ce qui advient quand le récit « classique », hérité du modèle aristotélicien, ne préside plus à la destinée du film. Libéré de ces contraintes narratives pesantes, le cinéaste peut, en principe, amener son spectateur sur des terrains inédits.
... Mais quarante ans après, peut être est-il temps de s’affranchir de toute la littérature qui entoure cette œuvre pour laquelle fut forgée le concept d’incommunicabilité. Peut être est-il temps d’enterrer la vielle dichotomie Classique / Moderne, de brûler les exégèses et les analyses (à commencer par les paragraphes qui précèdent) et de se laisser envoûter par la beauté des plans antonioniens, captiver par le visage de Monica Vitti, et embarquer dans ce voyage labyrinthique au cœur des passions humaines. Vœu qui a forcement quelque chose d’utopique, quand on sait ce qu’un tel film représente dans l’inconscient cinéphile mondial. Pourtant ce serait là rendre hommage à une œuvre courageuse et singulière : croyez-le ou non, pour une fois cet adjectif passe-partout n’est pas galvaudé. "
(Lire l'intégralité de l'analyse sur DVDClassiK, ICI )
Mais de quoi est-il question dans cet apparent portrait de la jeunesse bourgeoise italienne ?
... Le cinéma moderne, tel que le pratique Antonioni et une poignée de ses contemporains, (citons pèle mêle, Resnais, Godard, Pasolini, le jeune Bertolucci, Glauber Rocha, etc.) s’attache à démontrer ce qui advient quand le récit « classique », hérité du modèle aristotélicien, ne préside plus à la destinée du film. Libéré de ces contraintes narratives pesantes, le cinéaste peut, en principe, amener son spectateur sur des terrains inédits.
... Mais quarante ans après, peut être est-il temps de s’affranchir de toute la littérature qui entoure cette œuvre pour laquelle fut forgée le concept d’incommunicabilité. Peut être est-il temps d’enterrer la vielle dichotomie Classique / Moderne, de brûler les exégèses et les analyses (à commencer par les paragraphes qui précèdent) et de se laisser envoûter par la beauté des plans antonioniens, captiver par le visage de Monica Vitti, et embarquer dans ce voyage labyrinthique au cœur des passions humaines. Vœu qui a forcement quelque chose d’utopique, quand on sait ce qu’un tel film représente dans l’inconscient cinéphile mondial. Pourtant ce serait là rendre hommage à une œuvre courageuse et singulière : croyez-le ou non, pour une fois cet adjectif passe-partout n’est pas galvaudé. "
(Lire l'intégralité de l'analyse sur DVDClassiK, ICI )
Jeudi 10 avril 2008
CINEFILS EL HAMRA a le plaisir d’accueillir Jilani Saadi, le cinéaste tunisien le plus talentueux de sa génération, pour une après-midi de projections et de débats.
« L’ECRAN BLANC… » que nous lui avons proposé et qu’il a accepté avec générosité étant de choisir un
film qui lui tienne à cœur en tant que cinéphile ou qui ait de l’importance vis-à-vis de sa démarche de cinéaste, pour le faire découvrir au public et en discuter avec eux.
Jilani Saadi a souhaité revoir et vous donner à voir : « Les chevaux de feu » de Sergei Parajanov.
Dans un second temps, « Tendresse du loup », son second long métrage, vous sera proposé et sera suivit par un débat avec le cinéaste autour de ce film en particulier mais aussi de son cinéma en général.
Le samedi 26 avril, à partir de 16h, au théâtre El Hamra, rendez-vous donc est prit avec Jilani Saadi…
(Plus d’informations sur l’évènement, les films et l’éventuelle surprise que nous essayons de vous préparer, très prochainement.)
Vendredi 4 avril 2008
CE FILM SERA PROJETE CE MARDI, 08 AVRIL 08, A 18H30
DANS LE CADRE DE NOTRE CYCLE : CINEMA ABSTRAIT - PARADOXES ET PLASTICITES
DANS LE CADRE DE NOTRE CYCLE : CINEMA ABSTRAIT - PARADOXES ET PLASTICITES
" Précédé d'un parfum de scandale d'autant plus marquant qu'il concerne un premier film réalisé par un jeune homme de même pas 25 ans, The Great Ecstasy of
Robert Carmichael a une très grande qualité : il ne peut que faire naître le débat. Impossible de rester de marbre en effet devant ce portrait de trois adolescents de la « middle class »,
prisonniers des paysages ternes d'une ville industrielle du nord de l'Angleterre et qui vont progressivement tomber dans la violence la plus extrême.
(...) Clay a la grande intelligence d'exprimer son questionnement bien plus par sa mise en scène que par un traité sociologique. Si l'utilisation de la musique classique (Beethoven, Purcell) nous renvoie immédiatement au grand Kubrick, le portrait qu'il dresse de l'existence des ces adolescents transcende ces références. De cette topologie d'une ville qui semble uniquement composée de pavillons délabrés et de paysages désertiques et post-industriels, bords de mers livides sous un ciel de plomb, il se dégage une irrépressible sensation d'enfermement, encore accentuée par la monotonie de ces vies où le même se répète jour après jour. "
(...) Clay a la grande intelligence d'exprimer son questionnement bien plus par sa mise en scène que par un traité sociologique. Si l'utilisation de la musique classique (Beethoven, Purcell) nous renvoie immédiatement au grand Kubrick, le portrait qu'il dresse de l'existence des ces adolescents transcende ces références. De cette topologie d'une ville qui semble uniquement composée de pavillons délabrés et de paysages désertiques et post-industriels, bords de mers livides sous un ciel de plomb, il se dégage une irrépressible sensation d'enfermement, encore accentuée par la monotonie de ces vies où le même se répète jour après jour. "
(Lire l'intégralité de la critique sur Fluctuat, ICI )
" Plus radical encore que Ken Loach dans son approche, Thomas Clay frappe dur et fort pour son premier long métrage qu’il a réalisé à
seulement vingt-quatre ans. Newhaven, une petite ville anglaise en bord de mer, sinistrée socialement, et sa population à la dérive ont inspiré au jeune cinéaste la symphonie destructrice de «
The Great Ecstasy of Robert Carmichael ». Ce film magnifiquement construit en spirale mène inexorablement à une scène finale paroxystique qui, envers et contre tout, reste gravée au fer rouge
dans la rétine. L’action se déroule sur quatre jours, rythmée et datée par les actualités qui passent sur des postes de télévision : la guerre en Irak se déclenche et Tony Blair tente de
justifier ses décisions. Les ados regardent presque sans les voir ces images, déjà déconnectés et désabusés. "
(Lire la suite de la critique sur le site d'Arte, ICI )
" Thomas Clay livre un premier film poétique, brutal et d’une surprenante maturité. Il est aidé
derrière la caméra par Yorgos Arvanitis, qui a longtemps collaboré avec Théo Angelopoulos. Les différentes utilisations des techniques cinématographiques ne semblent plus avoir de secret pour
lui, tout comme l’utilisation du temps, que ce soit lors d’un magnifique travelling qui fait découvrir au spectateur la cour du lycée et finalement Robert tout seul dans son coin qui observe
ses camarades, le plan des trois garçons assis sur un rocher sur la plage en train de fumer de l’herbe avec, pour seule conversation, celle des mouettes qui fait écho au bruit des vagues, ou
encore cet hallucinant plan-séquence de huit minutes à la beauté hypnotique, au cours duquel l’action et la musique vont aller crescendo pour laisser le spectateur abasourdi sur son siège. Ce
ne sera rien en comparaison avec "la grande extase" de la scène finale, qui dérape brusquement dans un tourbillon de violence et dont le réalisateur fait perdurer le sentiment de malaise avec
un générique de fin composé de sons sourds et secs qui résonnent désagréablement aux oreilles du spectateur, qui aimerait justement pouvoir quitter cette scène. Le message de fin étant:
"Qu’est-ce qui est pour nous inévitable? Le bonheur. "
(Lire l'intégralité de l'article sur Film Culte, ICI )
" Dès les premières images, on sait que tout cela ne se terminera pas bien. Est-ce l'alliance de l'écran large, de la composition
des cadres, de la durée des plans, de la lumière, du caractère apparemment insignifiant de ce qui se déroule à l'écran ? Est-ce ce mariage d'un formalisme froid et d'un réalisme social
allant du tiède au brûlant ? Un peu de tout cela sans doute et aussi autre chose, le sentiment que le film cristallise une peur très contemporaine quoique diffuse et impalpable. Présenté à
la Semaine de la critique lors du Festival de Cannes 2005, The Great Ecstasy of Robert Carmichael de l'Anglais Thomas Clay y a été remarqué, à la fois pour la maîtrise dont il
témoignait pour un premier long métrage et aussi pour sa violence. Mais ni la maîtrise, ni la brutalité de sa fin ne suffiraient à en définir les qualités particulières...
Difficile de ne pas raccorder le film avec quelques faits divers récents, survenus dans le monde réel, dévoilant dans les sociétés occidentales apparemment pacifiées mais véritablement en crise, le surgissement d'une barbarie inattendue, atroce et impensable. De cela, le film de Thomas Clay peut être vu aussi comme une représentation crédible. "
Difficile de ne pas raccorder le film avec quelques faits divers récents, survenus dans le monde réel, dévoilant dans les sociétés occidentales apparemment pacifiées mais véritablement en crise, le surgissement d'une barbarie inattendue, atroce et impensable. De cela, le film de Thomas Clay peut être vu aussi comme une représentation crédible. "
(Lire l'intégralité de la critique sur Le Monde, ICI )
Dimanche 30 mars 2008
BERLIN : SYMPHONIE D'UNE GRANDE VILLE de Walter RUTTMAN
(1927 - 1h)
(1927 - 1h)
Documentaire avant la lettre et "première œuvre d'art totale" du cinéma, un hymne constamment inventif et d'une extraordinaire beauté plastique à la capitale
allemande et à sa vitalité, de l'aube à la nuit. (arte)
OPUS I, II, III & IV de Walter RUTTMAN
(1919, 1921, 1924 & 1925 - 7min)
(1919, 1921, 1924 & 1925 - 7min)
À la suite de son Opus I de 1919-1921, Ruttmann poursuivit ses expérimentations sur le film abstrait avec ses Opus II, Opus III et Opus IV qui furent très
largement présentés et commentés dans les années 20. Les trois films furent présentés à la London Film Society le 25 octobre 1925 avec des notes de programme les décrivant comme des « études
de motifs, avec un accompagnement de percussions ». Le jour suivant le London Times les décrivit comme « des films absolus - une série de motifs en mouvement qui produisent un
effet des plus vivants chez le spectateur ». (Archipel)
RYTHMUS 21 de Hans RICHTER
(1921 - 3min20s)
(1921 - 3min20s)
" Je suis encore persuadé que le rythme, c'est-à-dire l'articulation d'unités de temps, constitue la sensation par excellence que peut procurer
toute expression du mouvement dans l'art du cinéma. " Hans Richter
(Centre Pompidou)
(Centre Pompidou)
RYTHMUS 23 de Hans RICHTER
(1923 - 3min20s)
(1923 - 3min20s)
Orchestration de formes géométriques de base (plus complexe que le dans le film Rythmus 21), selon des motifs rythmiques. La construction d'obturateurs au moyen de ficelles
et de caches glissants permet à Richter de filmer les réflexions lumineuses sur l'écran, au lieu d'animer des papiers découpés. (Centre Pompidou)
FILMSTUDIE de Hans RICHTER
(1926 - 4min)
(1926 - 4min)
Filmstudie est un mélange d’images abstraites et concrètes qui, avec le style de montage, donnent au film un caractère surréaliste typique de la poétique de Richter. (Archipel)
TWO PENCE MAGIC de Hans RICHTER
(1930 -
2min20s)
(1930 -
2min20s)
SYMPHONIE DIAGONALE de Viking EGGELING
(1924 - 7min30)
(1924 - 7min30)
La première partie de Symphonie Diagonale constitue une exposition
clairement définie où à chaque mouvement correspond un écho inversé et où les formes semblent devenir de plus en plus complexes. Une organisation rythmique est obtenue en fonction de variations
dans la vitesse ; à laquelle s’ajoute les figures qui se déplacent le long de leurs axes ou bien apparaissent ou disparaissent dans la profondeur de l'écran (comme si les lignes en "X"
représentaient la surface de deux plans en profondeur). Dans les temps forts du film, nous assistons au foisonnement de formes d'un enchevêtrement de courbes et de droites tellement complexe que,
par moments, la diagonale semble se perdre, puis se retrouver ou même se trouver déplacée pendant l'élaboration d'un seul arbre de figures. Ainsi le film représente quelque chose qui pourrait
s'apparenter à la perte du ton en musique.
Le retour aux alternances simples vers la fin du film est associé à des structures plus complexes, laissant au spectateur l'impression d'un thème et de variations très enchevêtrés.
P. A. Sitney, in Une histoire du cinéma, Musée d'Art Moderne, 1974. (La mariée désirante)
P. A. Sitney, in Une histoire du cinéma, Musée d'Art Moderne, 1974. (La mariée désirante)
BALLET MECANIQUE de Fernand LEGER
(1924 - 16min)
(1924 - 16min)
"J'ai pensé que c'était l'objet négligé, mal mis en valeur qui était succeptible de remplacer le sujet. Partant de là, ces mêmes objets qui me servaient en peinture, je les ai transposés à
l'écran, leur donnant une mobilité et un rythme très calculés pour que tout cela fasse un tout harmonieux". (Fernand Léger)
(Festival de La Rochelle)
(Festival de La Rochelle)
ANEMIC CINEMA de Marcel DUCHAMP
(1926 - 5min)
(1926 - 5min)
Classique du film expérimental, Anemic Cinema est une apothéose de la rotation : 7 minutes de plans fixes montrent successivement 19 disques rotatifs. Empruntées à
Rrose Sélavy, 9 boutades comme "Inceste ou passion de famille à coups trop tirés", "Esquivons les ecchymoses des esquimaux aux mots exquis", "Avez-vous
mis la moelle de l'épée dans le poêle de l'aimée?" alternent avec 10 disques à spirales mesmérisantes.
(zumbazone)
(zumbazone)
STUDY IN COLOR AND BLACK AND WHITE de Stan BRAKHAGE
(1993 - 1min40s)
(1993 - 1min40s)
The title is almost the whole of any possible description of this hand-painted and photographically step-printed film, which exhibits variably shaped small areas of color (in a dark field) that
explode into full frames of textured color interwoven with white scratch patterns that create a considerable sense of interior depth and three-dimensional movement.
WATER FOR MAYA de Stan BRAKHAGE
(2000 - 2min30s)
(2000 - 2min30s)
ZEN FOR FILM (FLUXFILM01) de Nam June PAIK
(1962/1964 - 8min)
(1962/1964 - 8min)
Durée totale de la projection : 2 heures
Débat suite à la projection
Entrée : 1d500
Débat suite à la projection
Entrée : 1d500
Jeudi 27 mars 2008
CINEFILS ELHAMRA & CINEMAFRICART VOUS INVITENT
LE JEUDI 27 MARS 18H30 A L'ESPACE EL HAMRA
A LA PROJECTION DEBAT AVEC FAOUZI BENSAIDI
LE JEUDI 27 MARS 18H30 A L'ESPACE EL HAMRA
A LA PROJECTION DEBAT AVEC FAOUZI BENSAIDI
La falaise
(Maroc - 1997 - 18min)
23 prix dans des festivals internationaux
Mille mois
(Maroc - 2003 - 2h05min)
Sélection officielle Cannes 2003 - Un certain regard
Prix Le Nouveau Regard - Prix de la Jeunesse
(Maroc - 1997 - 18min)
23 prix dans des festivals internationaux
Mille mois
(Maroc - 2003 - 2h05min)
Sélection officielle Cannes 2003 - Un certain regard
Prix Le Nouveau Regard - Prix de la Jeunesse
« Pour moi, choisir un lieu de tournage est aussi important que choisir un comédien. Il y a une émotion qui doit se dégager de l'espace, dans son rapport potentiel à mes personnages, dans la manière dont ils évoluent en lui et avec lui. Mon village est constitué d'espaces éparses mais qui, une fois réunis, constituent le vrai village du film, de mon histoire, ce qu'aucun village réel n'aurait pu produire. Ça me paraît même une évidence car, au cinéma, on est constamment amené à cadrer un monde qui se présente à nos yeux, conforme à la réalité, pour créer un monde conforme à sa propre vérité.
Quand on arrive sur le lieu de tournage, la vue est à 360 degrés et il faut choisir l'objectif qui va couper à l'intérieur de cette vue réelle. J'ai donc tourné à plusieurs endroits : Marrakech, Casablanca, Meknès et essentiellement à Moulay Brahim, un village du Moyen Atlas niché à 1800 mètres d'altitude entre Marrakech et Taroudan. Beaucoup de choses passent par les femmes. Elles ont trop souvent occupé la fonction de victime et l'Occident a acheté cette image, il en redemande même. Ce n'est pas toujours vrai. Les pères peuvent être sensibles aussi, fragiles, absents, tolérants et les femmes tout le contraire. Nos sociétés sont complexes et multiples comme le sont les hommes. En tout cas cette victimisation des femmes m'énerve. Les femmes dans mon film sont fortes, libres, malignes, joueuses, dures? »
Faouzi Bensaidi sur le site de Trigon Film.
" Mille mois est un conte froid et mélancolique, traversé d’une insondable solitude, dans lequel la moindre bouffée onirique - regarder les lumières du village s’allumer du haut d’un plateau - fait office d’appel d’air et d’ouverture à la féerie. "
(Lire l'intégralité de la critique sur Chronicart, ici.)
Demain au CinémAfricArt à 15h30
Le mur de Faouzi BENSAIDI
Loin de André TECHINE
Projection débat en présence de Faouzi BENSAIDI
Coscénariste et acteur du long métrage
Mardi 25 mars 2008
EN CLÔTURE DE NOTRE CYCLE WESTERN : MULTIPLICITÉS D'UN
GENRE,
ORGANISE EN COLLABORATION AVEC L'A.T.P.C.C.
PROJECTION DÉBAT LE MARDI 25 MARS A 18H30 DE
DEAD MAN DE JIM
JARMUSCH
(1995 - États-Unis - 1h45)
AVEC JOHNNY DEPP, ROBERT MITCHUM, IGGY POP, JOHN HURT, LANCE HENRIKSEN...
Musique de Neil Young
LE DÉBAT SERA ANIME PAR SLIM BENCHIKH (SPÉCIALISTE DES GENRES AU CINÉMA)
LE LONG MÉTRAGE SERA PRÉCÉDÉ PAR UN COURT MÉTRAGE TUNISIEN
LE PÂTRE DES ÉTOILES DE MOURAD BENCHIKH
(2004 - Tunisie - 20min)
Compétition officielle Court-métrage J.C.C. 2004
UN DÉBAT SE FERA AUSSI SUR LE COURT
EN PRÉSENCE DE SON RÉALISATEUR
Prochaine projection EVENEMENT
Jeudi 27 mars à 18h30
(C.M.) La falaise de Faouzi
BENSAIDI
MILLE MOIS de Faouzi BENSAIDI
Projection débat en présence du réalisateur
« Entre sécheresse attentive des plans et bouffées de fantaisie froide (...), le film distille une sorte de néoréalisme gris et trouve dans le ballet de gestes simples et anodins la matière d'une féerie morne et désenchantée. » Vincent Malausa - Cahiers du Cinéma
« Mille mois s'offre au public comme une ode au cinéma pur. Le plan chez
Bensaïdi est éminemment l'illustration du temps par le mouvement dans l'espace, une maîtrise de la lumière et de la mise en scène excluant par cette astreinte toute narration pléonastique. »
Mériam Azizi - AfriCiné
Prochaine projection CYCLE
Mardi 1er avril 08 à 18h30
FILMS EXPERIMENTAUX ET VIDEOS D’ART
Des années vingt à nos jours : DUCHAMPS, LEGER, PAIK, BRAKHAGE… 2h